Portuguese Version

I

Desde um Sol artificial, uma fonte de luz e calor concentrados, o tempo dentro da sala escura é marcado por um cíclico apagar e reacender — uma simulação da natureza intermitente do curso de um dia. Ao redor, qualquer materialidade se dissipa, abandonando o corpo em um negro vácuo e, assim, tornando esse Sol a única referência espacial possível. Como se presenciássemos um momento para além do futuro, no qual poucos resquícios de humanidade persistiram, tal Sol se transmuta em uma estrutura metálica de presença opressora e divide a origem de sua luz, antes única, em pequenas esferas, como réplicas de si mesma. No fundo oposto da sala onde o novo Sol ostensivamente se faz presente, três objetos feitos para a escuta e reprodução sonoras possibilitam a perturbação do sepulcral silêncio. Pela primeira vez desde que adentramos o espaço, alguma presença familiar é reconhecível: um adulto e uma criança engajam em uma conversa sem perceptível linearidade ou nexo, mas que, entretanto, possui um evidente caráter dialógico. Imersos no soturno vazio desse espaço espetacularmente construído, perdemos a capacidade de distinguir o início do fim, o surgimento do desaparecimento da linguagem, o passado do presente e o presente do futuro.

A ambiguidade desse estado não é fruto do acaso, mas característica desenvolvida ao longo de todo um percurso e fulcral ao ímpeto criador da dupla que tem assinado trabalhos sob a insígnia de Musa Paradisiaca desde 2010. Em Solar, exposição inaugurada no último mês de Maio na Appleton [Box], ela é, entretanto, levada a certo extremo. Talvez seja essa uma consequência de processos que, costumeiramente, envolvem a participação ativa de muitas pessoas que colaboram com a dupla composta por Eduardo Guerra e Miguel Ferrão. Especificamente nessa exposição, a curadora Claudia Pestana foi uma peça fundamental ao puzzle criativo responsável pela reapropriação de Solar Boat — uma experiência limítrofe entre performance e happening realizada no âmbito da bienal BoCA, em 2021, na qual a mesma instalação sonora foi apresentada ao longo de uma viagem em um barco movido à energia solar por uma lagoa em Ria Formosa, em Faro, Algarve.

No percurso de deslocamento físico e conceitual da obra, desde a ampla e idílica paisagem algarvia até o white cube da galeria, a representação da presença solar — assim como o próprio entendimento dessa palavra — se transmutou do abstracionismo à materialidade; ao passo que a espacialidade seguiu a contramão, se desprendendo por completo de qualquer referencial figurativo ou material e encontrando no negro vácuo uma nova maneira de existir. Em Solar, as únicas imagens que se revelam são aquelas que o pensamento, em conversa com a instalação sonora, forja no imaginário — tendo elas lastro em uma percepção dialógica da obra ou não. Tal interação que assim se cria configura uma hipótese, intrinsicamente relacionada à prática da Musa Paradisiaca: a de uma protolinguagem nascida nos interstícios dos sentidos, das palavras, das imagens e de tudo aquilo que configura o sensível.

Esse exercício, ao qual poderíamos referenciar enquanto uma espécie de abstração, reavaliação ou, ainda, desarticulação da linguagem e da fala, tem sido recorrente no percurso da dupla de artistas. Junto à ideia de colaboração no processo criativo, talvez seja aquilo que mais caracteriza o seu trabalho — mesmo quando as imagens o povoavam com mais veemência, principalmente através da escultura, mas também do vídeo, eram as palavras a aparente preocupação primária e, especificamente, o que acontecia quando elas encontravam umas às outras.

Como é sugerido no texto Silogismos em Movimento, escrito por Sofia Lemos e publicado a propósito do catálogo Visões do Mal-entendido, sobre o trabalho da dupla, parte daquilo que é objeto de estudo do campo da linguística (a origem da linguagem) pode facilmente ser mal-interpretada e subjugada quando analisada sob uma perspectiva que privilegie demasiadamente uma visão de mundo pautada pelo racionalismo europeu. Contra tal subjugação, podemos pensar que a valorização, ainda que antes no campo artístico do que na teoria linguística, do sensível na concepção da linguagem possa emergir como uma possibilidade. O que, talvez, significaria compreender a linguagem a partir das relações capazes de gerar subjetividades, sejam elas entre uma pessoa e outra ou entre o humano e o não-humano. Tal ideia irrompe com uma força sutil no trabalho da Musa, mesmo quando ainda em um estágio embrionário, e permeia a sua produção de maneira constante.

II

Ao olhar para os últimos treze anos de trabalho desenvolvido pela dupla de artistas e por seus colaboradores, tal interação entre sensibilidades parecia quase sempre exigir ser manifestada em forma de imagens. Nos projetos anteriores e até a exposição The I of the Beeholder (2020), na Fundação Carmona e Costa, havia uma predominância da escultura aliada ao som e o vídeo como veículos para essa prolongada conversa. Entretanto, em certa altura, tais componentes plásticas pareceram mais tímidas, por vezes quase ausentes. Essa impressão era capaz de sugerir uma mudança na atitude artística da dupla, ou então uma espécie de fechamento de ciclo — como se as suas ideias nascessem a demandar serem plasticamente materializadas e, ao longo do tempo, fossem se abstraindo até que sobrasse de si apenas uma memória sonora. Ao menos era esse o engano, até ouvir Miguel e Eduardo a planejarem um futuro para o seu trabalho, no qual as imagens voltam a reivindicar um papel fundamental.

Do privilégio de poder, pela primeira vez, trabalhar ao seu próprio ritmo e sem a obrigação de cumprir com datas para um projeto específico, os dois artistas dividem comigo aquilo que está a se formar em seus horizontes e que tem feito parte de suas rotinas de trabalho ao longo dos últimos dois anos. À procura de pessoas cuja prática diária envolva o conhecimento de algum ofício — e, por tal, se entendem as atividades que exigem uma especialização e que, de alguma forma, envolvam um sentido de mecanização do corpo —, a dupla inaugurou uma investigação imagética por aquilo que acontece quando a tecnologia é percebida como uma extensão do humano, como se referem ao discorrerem sobre o assunto. Por uma metodologia quase literal, tal investigação envolve imagens cuja captura depende de dispositivos de filmagem que simulam esse prolongamento do corpo humano. Em certa medida, a própria escolha por tais meios de captura de imagem se relaciona com a conotação mecanicista do termo “ofício”. Para além disso, as pessoas envolvidas nessa nova jornada da dupla têm trabalhos que necessariamente envolvem o cuidado ou a proximidade com outres (sendo esses humanos ou não-humanos).

Ouvi-los em suas especulações ainda dispersas sobre o futuro dessa pesquisa proporcionou o vislumbre de dois pontos que são passíveis de serem identificados enquanto centrais em sua prática artística: a ideia de um novo trabalho ser, na verdade, uma espécie de vida dupla daquilo que foi realizado anteriormente — como se a obra fosse sempre uma obra em aberto, seguindo uma definição feita por Luigi Ghirri —; e a importância da ambiguidade para uma prática que é sempre limítrofe: que anuvia as fronteiras de autoria, renega a necessidade institucional de categorização dentro da arte contemporânea e afirma a vontade de existir e se bastar em si mesma.

Sobre a obra aberta, é sempre instigante testemunhar um trabalho que encontra em si mesmo a razão para as suas metamorfoses. Que permanece flexível e passível de mudanças, e avança trazendo em si resquícios do que fora anteriormente. Que existe à mercê dos caminhos que o atravessam. E, sobre a ambiguidade, há certa graça em se ver diante daquilo que não se permite definir ou revelar por inteiro. Do que constantemente serpenteia entre as categorias criadas pela necessidade humana de catalogação. Do que é fugidio.

Contínua e indisciplinada, assim se pode caracterizar a prática da Musa Paradisiaca.

English Version

From an artificial Sun, a source of concentrated light and heat, time inside the dark room is marked by a cyclic extinguishing and rekindling — a simulation of the intermittent nature of the course of a day. All materiality around dissipates, leaving the body in a black void, making this sun the only possible spatial reference. It's as if we are witnessing a moment beyond the future, in which few remnants of humanity persist. Only here, the Sun transmuted into an oppressive metallic structure, dividing the origin of its light, once singular, into small spheres, like replicas of itself. On the opposite end of the room where this new Sun ostentatiously makes its presence felt, three objects designed for listening and sound reproduction disturb the sepulchral silence. For the first time since we entered the space, some familiar presence is recognizable: an adult and a child engage in a conversation without perceptible linearity or coherence, but with an evident dialogic character. Immersed in the somber emptiness of this spectacularly constructed space, we lose the ability to distinguish the beginning from the end, the emergence from the disappearance of language, the past from the present, and the present from the future.

The ambiguity of this state is not accidental but a characteristic developed throughout a journey and central to the creative impulse of the duo who have been producing works under the banner of Musa paradisiaca since 2010. In Solar, an exhibition inaugurated last May at Appleton [Box], this ambiguity is taken to a certain extreme. Perhaps this is a consequence of processes that often involve the active participation of many people collaborating with the duo composed of Eduardo Guerra and Miguel Ferrão. Specifically in this exhibition, curator Claudia Pestana played a fundamental role in the creative puzzle responsible for the reappropriation of Solar Boat — an experience bordering on performance and happening that took place during the BoCA biennial in 2021, where the same sound installation was presented on a solar-powered boat trip across a lagoon in Ria Formosa, Faro, Algarve.

In the journey from the vast and idyllic Algarve landscape to the white cube of the gallery, the representation of solar presence — as well as the understanding of the word itself — transformed from abstraction to materiality, while spatiality went in the opposite direction, completely detached from any figurative or material reference and finding a new way to exist in the black void. In Solar, the only images that are revealed are those that thought, in conversation with the sound installation, forges in the imagination, whether they are anchored in a dialogic perception of the work or not. This interaction that is created configures a hypothesis, intrinsically related to the practice of Musa paradisiaca: that of a protolanguage born in the interstices of the senses, words, images, and everything that shapes the sensory.

This exercise, which could be referenced as a kind of abstraction, reevaluation, or even disarticulation of language and speech, has been a recurring theme in the duo's work. Alongside the idea of collaboration in the creative process, this is perhaps what characterizes their work the most — even when images populated it more vigorously, mainly through sculpture but also through video, words seemed to be the primary concern, specifically what happened when they encountered each other.

As suggested in the text Silogisms in Motion, written by Sofia Lemos and published in the context of the Visions of Misunderstanding catalog about the duo's work, part of what is the subject of study in the field of linguistics (the origin of language) can easily be misinterpreted and subjugated when analyzed from a perspective that excessively privileges a worldview based on European rationalism. Against such subjugation, we can think that the valuation, even if firstly in the artistic field than in linguistic theory, of the sensory in the conception of language may emerge as a possibility. This perhaps means understanding language from the relationships capable of generating subjectivities, whether they are between one person and another or between the human and the non-human. Such an idea emerges with subtle force in Musa's work, even when still in an embryonic stage, and permeates their production consistently.

Looking at the last thirteen years of work developed by the artist duo and their collaborators, this interaction between sensibilities seemed to almost always demand expression in the form of images. In previous projects and even in the exhibition The I of the Beeholder (2020) at the Carmona e Costa Foundation, there was a predominance of sculpture combined with sound and video as vehicles for this prolonged conversation. However, at some point, these visual components seemed more timid, sometimes almost absent. This impression could suggest a change in the artistic attitude of the duo or a kind of closure of a cycle — as if their ideas were born to be physically materialized and, over time, abstracted until only a sonic memory remained. At least that was my misunderstanding until I heard Miguel and Eduardo planning a future for their work, in which images once again claim a fundamental role.

Given the privilege of working at their own pace for the first time and without the obligation to meet specific project deadlines, the two artists share with me what is forming on their horizons and has been part of their work routines over the past two years. In search of people whose daily practice involves the knowledge of a trade — by this, they mean activities that require specialization and in some way involve a sense of mechanization of the body — the duo has initiated an imagistic investigation into what happens when technology is perceived as an extension of the human, as they refer to it when discussing the subject. Through an almost literal methodology, this investigation involves images whose capture depends on filming devices that simulate this extension of the human body. To some extent, the choice of such image capture methods is related to the mechanistic connotation of the term “trade”. Furthermore, the people involved in this new journey of the duo have jobs that necessarily involve care or proximity to others (whether human or non-human).

Listening to their still scattered speculations about the future of this research provided a glimpse of two central points that can be identified in their artistic practice: the idea that a new work is, in fact, a kind of double life of what was done previously — as if the work is always a work in progress, following a definition by Luigi Ghirri —; and the importance of ambiguity for a practice that is always on the borderline: clouding the boundaries of authorship, rejecting the institutional need for categorization within contemporary art, and affirming the desire to exist and be self-sufficient.

About the open work, it is always intriguing to witness work that finds within itself the reason for its metamorphoses. That remains flexible and subjected to change, advancing with remnants of what it used to be. That exists at the mercy of the paths that traverse it. And, about ambiguity, there is a certain grace in facing what does not allow itself to be fully defined or revealed. That constantly snakes between the categories created by human cataloging needs. A work that is elusive.

Continuous and undisciplined, this is how the practice of Musa paradisiaca can be characterized.